Здравствуйте, гость ( Вход | Регистрация )

Свернуть

Новости

Форум Лучшее из галереи Уроки и статьи
07.12.2015 Выставочный зал: кошарик - персональная выставка
31.08.2015 Интересные ссылки для рисовальщиков
21.01.2015 Выставочный зал 2: Игрушки Олеси Гавриленко

27.12.2014 Выставочный зал: кошарик - персональная выставка
17.11.2014 Дуэль "Рыбки" - победитель Лисичка
05.11.2014 Конкурс иллюстраций "Снежная королева", до 31 января
30.10.2014 Дуэль "Рыбки" до 16 ноября
14.07.2014 Мастер-класс Мини-мишка в технике фелтинга
26.05.2013 Ау! Мы ищем таланты! – приглашаем модераторов!
Белые пионы, акварель
tn_gallery_1015_9_27120.jpg

кошарик
06.01.2016 Виртуальный Музей: Русский живописец Василий Дмитриевич Поленов
28.12.2015 Виртуальный Музей: Нидерландский живописец Квентин Массейс
16.12.2015 Виртуальный Музей: Итальянский живописец Франче́ско Айец
17.11.2015 Виртуальный Музей: Луи Анкетен (Louis Anquetin)
11.11.2015 Виртуальный Музей: Русский живописец Алексей Иванович Корзухин
Файловый архив
06.09.2013 Прочее: Файлы к уроку "Чайная церемония"
05.09.2013 Журнал Art Tower: ArtTower Magazine #8
16.05.2013 Adobe Photoshop: Кисти: Reid Southen brush
16.05.2013 Adobe Photoshop: Кисти: Goro Fujita brush
16.05.2013 Adobe Photoshop: Кисти: Кисти для рисования в Photoshop
Блоги Новости в цифровом мире и мире дизайна
02.12.2014 Дама с каменьями: Вести с крыши 2
08.11.2014 Timenews: Вассерман: прежняя модель мировой экономики исчерпала себя
06.11.2014 Дама с каменьями: Приятные вести с крыши))) от Гаргула)
02.11.2014 Spell: Книги Дж. Кэмерон
22.10.2014 Vjaz: от ФУ до МА
25.11.2015 Комментарий от Foxx в Costa Rica Adventure Divers, Логотип для компании и рисунок на майку (maria_mer)
18.11.2015 Комментарий от maria_mer в Spellforce - майка, для фанов игры (maria_mer)
18.11.2015 Комментарий от maria_mer в Белая книга. Целитель - любительский прект (maria_mer)
09.04.2015 Комментарий от Romana в Книги Дж. Кэмерон (Spell)
08.04.2015 Комментарий от Romana в Я решил вернуться... (Элбирет)
16.03.2015 ФОТОФОРУМ-2015
01.01.2015 ARQUTE.com и ArtTalk.ru закрываются
19.01.2017 Конкурс дизайна логотипов
26.12.2016 ру/Ководство: О творческом развитии
14.10.2016 ру/Ководство: Разнообразие

2 страниц V  < 1 2  
Добавить ответ в эту темуОткрыть тему
> Основные направления в живописи, подробное описание основных направлений в живописи
V
Фрина
сообщение 24.02.2011 - 14:54
Сообщение #16


Горожанин
****

Меткий стрелокЗа вклад в развитие ArtTower.ru2 местоЗа вклад в развитие ArtTower.ruМеткий стрелок
Группа: Советники
Сообщений: 1186
Регистрация: 24.06.2010
Из: София, Болгария
Пользователь №: 16351
Галерея


Симпатии:  116  


Прикрепленное изображение Авангардизм - (фр. avant-gardisme - впереди и стража) , условное наименование художественного движения 20 в., для которого характерны разрыв с предшествующей традицией реалистического художественного образа, поиски новых средств выражения и формальной структуры произведений. Термин "А." возник в критике 20-х гг. и утвердился в искусствознании (в т. ч. советском) в 50-е гг. Однако он не приобрёл ещё чёткого научного определения и разными историками литературы и искусства в него вкладывается различное содержание.

А. — широкое и сложное проявление кризиса буржуазной культуры 20 в., он вырос на почве анархического, субъективистского миропонимания. В годы наиболее интенсивного развития А. (1905—30) его черты выявились в ряде школ и течений модернизма (фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, дадаизм, сюрреализм, литература "потока сознания", атональная музыка, додекафония и др. и в то же время проявились в творчестве некоторых крупных мастеров 20 в. в тот или иной период их художественой деятельности.

В общем потоке А. порой оказывались противоречивые тенденции, разные мастера с непохожими творческими судьбами, различными идейно-эстетическими и общественными позициями. В противоречивости А. преломились острейшие социальные антагонизмы эпохи. В нём отразились упадок буржуазной цивилизации, кризис искусства, растерянность и отчаяние перед лицом общественных катастроф и революционных потрясений; вместе с тем наступившая эпоха пролетарских революций рождает у некоторых причастных к А. мастеров жажду обновления и порой наивные мечтания о будущем, будто бы способные в своём бунтарском порыве выразить революционную сущность эпохи. Одни авангардисты до болезненности чутки к порокам буржуазного общества, другие соскальзывают в хаос субъективистских переживаний; иногда они накапливают немалые потенции социальной критики, но часто бегут в анархический цинизм всеобщего ниспровергательства; они отражают нередко настроение тревоги, боли, протеста, либо отстраняются от жизни, доходя до нигилизма, ввергая искусство в лабиринт субъективистских блужданий и чистого формотворчества. Иногда эти разные тенденции переплетаются в одном и том же художественном течении или служат исходным пунктом для творческих размежеваний. Некоторые крупные художники поначалу в той или иной мере причастные к А. (П. Элюар — Франция, В. Незвал — Чехословакия, Б. Брехт, И. Бехер, Х. Эйслер — Германия, Д. Ривера — Мексика), преодолев модернистские блуждания, вышли к подлинно революционному и социалистическому искусству. Многие представители А., неспособные преодолеть рамки буржуазного сознания, оставались на позициях эстетического субъективизма и, всё более проникаясь упадочническим умонастроением, оказались в числе столпов модернизма. Таковы — Дж. Джойс (Ирландия) и М. Пруст (Франция), П. Мондриан (Нидерланды) и С. Дали (Испания), П. Клее (Швейцария) и В. В. Кандинский. Причудливые зыбкие сочетания различных тенденций приводят к характерной для всего А. эстетической двойственности, противоречивости (например, поэзия Г. Аполлинера, искусство П. Пикассо — Франция) и зачастую к художественной эклектичности. При всём этом А. в целом пропитан буржуазным и мелкобуржуазным индивидуализмом.

В СССР Октябрьская социалистическая революция определила творческий путь таких больших художников-новаторов, как В. В. Маяковский, В. Э. Мейерхольд, С. С. Прокофьев, в чьём творчестве в ранний период так или иначе выявлялись черты А. Решительно преодолев авангардистский индивидуализм и субъективизм, они стали ведущими мастерами социалистической художественной культуры.

В начале 30-х гг. основная масса авангардистов на Западе теряет демонстративно-бунтарский характер своего творчества. Такие большие художники, как П. Пикассо, П. Неруда (Чили), сумели преодолеть узость социальных позиций А., стали на путь активной борьбы с фашизмом, связав свою деятельность с коммунистическим движением.

После 2-й мировой войны 1939—45 на Западе происходит оживление авангардистских тенденций, возникает неоавангардизм (драма абсурда, "новый роман", "конкретная поэзия", поэзия итальянской "Группы 1963", алеаторика и др.). Но все эти неоавангардистские, теперь полностью модернистские течения находятся в конфликте не столько с буржуазным обществом, сколько с идеалами коренного переустройства общества на началах социализма; они активно противостоят не буржуазным эстетическим концепциям, а лучшим демократическим и реалистическим традициям культуры, теории и практике искусства социалистического реализма. А. приобретает всё более подчёркнуто элитарный, рафинированный характер, антисоциалистическую направленность, пронизанную духом реакционной идеологии империализма, и углубляется, как правило, в формальное экспериментирование.

Источник

Художники:

А
Альтман Натан Исаевич

Г
Гончарова Наталья Сергеевна

Л
Лисицкий Эль

М
Малевич Казимир Северинович

П
Пикассо Пабло

Ф
Филонов Павел Николаевич

Ш
Шагал Марк Захарович

Сообщение отредактировал Фрина - 25.02.2011 - 11:37


--------------------
Тот человек, которого ты любишь во мне, конечно, лучше меня: я не такой. Но ты люби, и я постараюсь быть лучше себя. Пришвин М.М

FREEna Art ( Мой блог - Blogger | Google Groups) ; Моя страница | Facebook
Вернуться в начало страницы
 
+Ответить с цитированием данного сообщения
Фрина
сообщение 24.02.2011 - 17:22
Сообщение #17


Горожанин
****

Меткий стрелокЗа вклад в развитие ArtTower.ru2 местоЗа вклад в развитие ArtTower.ruМеткий стрелок
Группа: Советники
Сообщений: 1186
Регистрация: 24.06.2010
Из: София, Болгария
Пользователь №: 16351
Галерея


Симпатии:  116  


Прикрепленное изображение Академизм

Академизм (французское academisme) - в изобразительном искусстве, направление, сложившееся в художественных академиях 16-19 вв. и основанное на догматическом следовании внешним формам классического искусства. Академизм способствовал систематизации художественного образования, закреплению классических традиций, которые им превращались, однако, в систему "вечных" канонов и предписаний. Считая современную действительность недостойной "высокого" искусства, Академизм противопоставлял ей вневременные и вненациональные нормы красоты, идеализированные образы, далёкие от реальности сюжеты (из античной мифологии, Библии, древней истории), что подчёркивалось условностью и отвлечённостью моделировки, цвета и рисунка, театральностью композиции, жестов и поз. Являясь, как правило, официальным направлением в дворянских и буржуазных государствах, Академизм обращал свою идеалистическую эстетику против передового национального реалистического искусства. Первые академии художеств появились в Европе в XVI-XVII вв. Болонская академия основана около 1590 г., французская Королевская академия живописи и скульптуры - в 1648 г., в 1692 г. появляется академия в Вене, в 1694 г. - в Берлине и т. д. В России Академия художеств (официальное название - Академия трех знатнейших художеств) основана в 1757 г. по проекту И. И. Шувалова. В 1764 г. в царствование Екатерины II стала императорской. Тем самым был окончательно закреплен ее статус государственного учебного заведения и правительственного учреждения. В основе деятельности европейских академий лежит строго регламентированная система обучения, направленная в итоге на создание большого стиля, прославляющего государственную власть и правящую династию. В качестве эталона избирается искусство античности и итальянского Возрождения. Отсюда - приверженность к монументальным формам и то внимание, какое в академической системе образования уделяется классическому рисунку, а также умению построить композицию, применяя правильную - итальянскую - перспективу. До тех пор, пока академическая система способствовала формированию художественных национальных школ и воспитанию талантливых кадров, академии справедливо считать явлением прогрессивным. Однако, начиная с середины XIX в. принятая в этих официальных учебных заведениях система ценностей, далекая от реальной жизни, ориентированная на идеальные представления о красоте, пришла в явное противоречие с развитием живого художественного процесса, что и привело к открытым протестам со стороны молодых демократически настроенных художников, вроде "бунта четырнадцати" в Петербургской АХ в 1863 г. Молодежь выступала против обязательных в академической практике тем для программ (дипломных работ), которые полагалось писать на мифологические, исторические или библейские сюжеты, игнорируя события современной жизни как предмет, недостойный искусства. Именно в этот период понятие "академизм" приобрело негативный характер, обозначая совокупность догматических приемов и норм. В настоящее время академическое искусство не является больше официальным, господствующим. Существует наряду с другими направлениями, наиболее последовательно сохраняя и развивая классические традиции национальной школы. Термин "Академизм" понимается и расширительно - как любая канонизация, обращение в непреложную норму идеалов и принципов искусства прошлого. В этом смысле говорят, например, об Академизме некоторых школ эллинистической и древнеримской скульптуры (канонизировавших наследие древнегреческой классики) или ряда художников новейшего времени, стремившихся возродить концепции исторически изживших себя школ и направлений.

Источник

Академизм – искусство «золотой середины».

Художники:

=Б=

Брюллов, Карл Павлович

Бугеро (Бугро) Вильям-Адольф

Сообщение отредактировал Фрина - 25.02.2011 - 11:35


--------------------
Тот человек, которого ты любишь во мне, конечно, лучше меня: я не такой. Но ты люби, и я постараюсь быть лучше себя. Пришвин М.М

FREEna Art ( Мой блог - Blogger | Google Groups) ; Моя страница | Facebook
Вернуться в начало страницы
 
+Ответить с цитированием данного сообщения
Фрина
сообщение 25.02.2011 - 11:45
Сообщение #18


Горожанин
****

Меткий стрелокЗа вклад в развитие ArtTower.ru2 местоЗа вклад в развитие ArtTower.ruМеткий стрелок
Группа: Советники
Сообщений: 1186
Регистрация: 24.06.2010
Из: София, Болгария
Пользователь №: 16351
Галерея


Симпатии:  116  


Прикрепленное изображение Арт-деко

Стиль Art Deco (Арт Деко) Стиль Art Deco получил распространение в 1918-1939 гг. во Франции, отчасти в других европейских странах и США. Толчком к стремительному развитию этого стиля послужила парижская выставка 1925 г., где показывались последние достижения в области архитектуры, проектирования интерьера, мебели, изделий из металла, стекла, керамики. Для этой выставки знаменитый французский архитектор Ле Корбюзье, один из основателей конструктивизма и функционализма, спроектировал и построил павильон <Эспри Нуво> (франц. - <Новый дух>); знаменитый художник Р. Лалик - фонтан из цветного стекла со световыми эффектами и <стеклянный интерьер> павильона Севрской фарфоровой мануфактуры. Если для архитектора Ле Корбюзье его произведение знаменовало отход от конструктивизма к идеям, позднее получившим название <неопластицизма>, то для ювелира Р. Лалика - эволюцию от прихотливо изогнутых линий и флореалъных стилизаций Ар Нуво к более простым геометрическим формам. В целом стиль можно рассматривать как последнюю стадию развития искусства периода Модерна или как переходный стиль от Модерна к послевоенному функционализму, дизайну <интернационального стиля>. В искусстве Art Deco продолжаются излюбленные темы и мотивы Модерна - точнее стиля Ар Нуво, - извилистые линии, необычное сочетание дорогих и экзотических материалов, изображение фантастических существ, формы волны, раковины, драконов и павлинов, лебединых шей и томных бледных женщин с распущенными волосами. Во всем чувствуется какая-то усталость, пресыщенность, но кроме этого и устремленность к использованию геометрических форм: прямых углов и линий, окружностей и широких плоскостей чистого цвета. Именно эти качества отличают интерьеры, оформленные по проектам Ж. Деламара, архитек-турно-дизайнерские разработки Р. Малле-Стевенса, ювелирные изделия мастеров парижской фирмы Картье. С искусством Модерна рубежа XIX-XX веков стиль Art Deco объединяет и желание многих художников (исполняющих волю богатых заказчиков) создать иллюзию благополучия и <роскошной жизни> в трудные годы <потерянного поколения> между двумя мировыми войнами. Это был последний <шикарный стиль> европейских столиц, сознательно ориентированный в прошлое. Духовная растерянность и смешение эстетических критериев, будто предвещавших ужасы второй мировой войны и пустоту первых послевоенных лет, заслонялись сознательной, программной эклектикой ретростилей. В ход пошли элементы Ампира, архаики египетского и крито-микенского искусства, соединялись находки декораторов Русских Балетных Сезонов в Париже, живописцев-постимпрессионистов, экспрессионистов, сюрреалистов с формами восточного, японского, китайского и примитивного африканского искусства. Открытие искусства Амар-ны, гробницы египетского фараона Тутан-хамона (1922), оказывали на вкусы людей столь же сильное воздействие, как и обтекаемые формы новейших локомотивов и автомобилей. Интерьеры, оформленные в стиле Art Deco, производят впечатление не композиции, а суммы отдельных компонентов, группировки <стильных вещей> - мебели, тканей, изделий из бронзы, стекла, керамики. Не случайно, многие из таких интерьеров назывались <павильон коллекционера>, <ателье художника>. Такие интерьеры создавались <с шиком> 1920-х годов, дорогих отелей и ресторанов и потому иногда их стиль называют <стилем Риц> (англ. Ritz Style). Показательно, что первая выставка художников-сюрреалистов состоялась в Париже в том же 1925 г. В декоративных росписях Art Deco и вновь вошедших в моду витражах и мозаике изображались женские <извращенные фигуры> в экспрессионистски изломанных движениях, деформированные - с фантастически развитой <мужской> мускулатурой. Все это свидетельствовало о кризисе вкуса. В <эпоху потерянного поколения> особенно ценились дорогие экзотические материалы: слоновая кость, черное - эбеновое дерево, перламутр, бриллианты, шагреневая кожа, даже <шкурки ящериц> и кожа крокодила. В поздних формах стиль Art Deco сближается с геометрическим конструктивизмом. Недаром считают, что проектировщики Art Deco - наследники венской архитектурной школы - оказали влияние на формирование программы немецкого Баухауза (см. также <Венские Мастерские>). В Италии и Германии элементы стиля Art Deco, соединяясь с формами Неоклассицизма, перерастали в архитектуру <нового Ампира> - фашистского стиля третьего Райха. Art Deco оказал влияние на художников французского стекольного завода Баккара и английской керамической мастерской Даултон. К этому же стилю иногда причисляют наивного живописца Р. Дюфи. Наиболее известные художники французского Art Deco: Ж. Де-ламар, М. Дюфрен, Я. Котера, Р. Лалик, П. Легрен, П. Ириб, Л. Зак, К. Клэрис, Р. Малле-Стевенс, А. Мартен, Ж. Пруве, П. Пуаре, Ж. Пюифорка, А. Рато, Ж.-Э. Рюль-манн, Л. Сю, Р. Эрте, П. Янак (рис. 347-350; цв. табл. 12). Art Deco называют <последним из художественных стилей>, соединявшим несоединимое. Может быть как раз этим он и оказал значительное влияние на дальнейшее развитие многих видов искусства. В 1930-1950-х годах отмечают и существование <советского Art Deco>. В качестве характерных примеров приводятся работы скульпторов Н. Данько, И. Ефимова, В. Мухиной - произведения из фарфора, металла, стекла с необычной для того времени обобщенностью и геометризацией формы, а также <пышная, вызывающая декоративность набивных ситцевых тканей>, украшенных, тем не менее, советской агитационной атрибутикой (см. <агитационное искусство>; социалистический реализм). В конце XX столетия смелые контрасты обобщенной, геометризованной формы и яркого цвета, открытые стилем Art Deco, возрождаются в дизайне и моде: оформлении интерьеров, ювелирных украшениях, одежде, рекламной графике .


Источник

Aрт деко (обзор)

Известные художники и дизайнеры ар-деко

Jean Marie Mouron Cassandre
Жан Дюнан (1877—1942) фр. Jean Dunand
Жан Дюпа (Jean Dupas)
Эрте (Ромэн де Тиртофф) (Ertй /Romain de Tirtoff)
Вадим Меллер (1884—1962) русск. Вадим Георгиевич Меллер
Александра Экстер (1882—1949) русск. Александра Александровна Экстер (Григорович)
Соня Делоне (1885—1979)
Элейн Грей (Eileen Gray)
Георг Йенсен (Georg Jensen)
Рене Лалик (1860—1945) фр. Renй Jules Lalique
Жорж Барбье (1882—1932) (George Barbier)
Жюль Лёлё (Jules Leleu)
Тамара де Лемпицка (1898—1980) польск. Tamara Łempicka

Пол Мэншип (Paul Manship)
Эмиль-Жак Рульманн (Йmile-Jacques Ruhlmann)
«Sьe et Mare»
Уолтер Дорвин Тиг (Walter Dorwin Teague)
Карл Пол Дженневейн (Carl Paul Jennewein)
Георгий Дмитриевич Лавров (1895 - 1991) George Lavroff

Сообщение отредактировал Фрина - 25.02.2011 - 12:31


--------------------
Тот человек, которого ты любишь во мне, конечно, лучше меня: я не такой. Но ты люби, и я постараюсь быть лучше себя. Пришвин М.М

FREEna Art ( Мой блог - Blogger | Google Groups) ; Моя страница | Facebook
Вернуться в начало страницы
 
+Ответить с цитированием данного сообщения
Фрина
сообщение 25.02.2011 - 12:30
Сообщение #19


Горожанин
****

Меткий стрелокЗа вклад в развитие ArtTower.ru2 местоЗа вклад в развитие ArtTower.ruМеткий стрелок
Группа: Советники
Сообщений: 1186
Регистрация: 24.06.2010
Из: София, Болгария
Пользователь №: 16351
Галерея


Симпатии:  116  


Прикрепленное изображение Акционизм


Акционизм в искусстве — форма современного искусства, возникшая в 1960-е годы. Стремление стереть грань между искусством и действительностью приводит к поискам новых способов художественного выражения, придающих динамику произведению, вовлекая его в какое-либо действие (акцию). Акция (или искусство акции) становится общим понятием для художественных практик, в которых акцент переносится с самого произведения на процесс его создания. В акционизме художник как правило становится субъектом и/или объектом художественного произведения. Близкими к акционизму формами являются хэппенинг, перформанс, эвент, искусство действия, искусство демонстрации и ряд других форм.


Истоки акционизма следует искать в выступлениях дадаистов и сюрреалистов, деятельности абстракционистов (в частности Поллока), в опытах «живых картин» Кляйна. В 1950-60-х акционизм выходит на новый уровень, превращаясь в театральное действие, заявляет о себе декларациями, обосновывающее создание четырехмерного искусства, развивающегося во времени и пространстве. Хэппенинги и перформансы играют особую роль в движении акционизма.

Стремление стереть грань между искусством и действительностью приводит к поискам новых способов художественного выражения, придающих динамику произведению, вовлекая его в какое-либо действие (акцию).

По мнению левого контркультурного деятеля А. Цветкова, "авангардной практикой остается акционизм, то есть вторжение радикального художника на не готовую к этому публичную территорию с последующим скандалом, провоцирующим власть реагировать, а зрителя — думать. Наибольшего успеха в этой области добился Кристоф Шлингензиф, начинавший как театральный режиссер и телеведущий, но бросивший все прежние занятия ради арт-экстремизма. В один прекрасный день он призвал немецких бездомных и сочувствующих им собраться на берегу Вольфгангзее и дружно войти в воду, чтобы озеро вышло из берегов и затопило стоящую рядом резиденцию канцлера Коля."

Художники

Джексон Поллок
Ив Кляйн
"Гутай"
Герман Нитш
Рудольф Шварцкоглер
Гюнтер Брус
Отто Мюле
Курт Крен
Отмар Бауэр
Крис Бёрдан
Марина Абрамович
Дженезис Пи-Орридж
Марико Мори
Вито Аккончи
Брюс Науман
Гилберт Прош
Джордж Пассмор
Терри Фокс
Джина Пан
Брюс Маклин
Деннис Оппенгейм
Боряна Росса
Боб Фланаган
Российские художники
Александр Бренер
Елена Ковылина
Олег Кулик
Юрий Лейдерман
Олег Мавроматти
Авдей Тер-Оганьян







--------------------
Тот человек, которого ты любишь во мне, конечно, лучше меня: я не такой. Но ты люби, и я постараюсь быть лучше себя. Пришвин М.М

FREEna Art ( Мой блог - Blogger | Google Groups) ; Моя страница | Facebook
Вернуться в начало страницы
 
+Ответить с цитированием данного сообщения
Фрина
сообщение 25.02.2011 - 15:37
Сообщение #20


Горожанин
****

Меткий стрелокЗа вклад в развитие ArtTower.ru2 местоЗа вклад в развитие ArtTower.ruМеткий стрелок
Группа: Советники
Сообщений: 1186
Регистрация: 24.06.2010
Из: София, Болгария
Пользователь №: 16351
Галерея


Симпатии:  116  


Прикрепленное изображение Сюрреализм

Сюрреализм
(произошло от фр. surrealisme - сверх + реализм) - одно из направлений модернизма. Сюрреализм возник во Франции в середине 20 века. Художники с фотографической точностью создавали нелогичные, пугающие картины обычных предметов или использовали нестандартную технику живописи, дающую возможность выразить подсознание. Самые известные сюрреалисты: Сальвадор Дали (1904-1989), Рене Магритт (1898-1967

Сюрреализм оказал громадное влияние на мировое искусство. Отчасти наметив тенденции развития, отчасти сам став их воплощением, стиль «сюрреализм» позволил пересмотреть отношение к искусству, и дал возможность увидеть привычное с необычных ракурсов. Причудливо переплетая реальность и вымысел, порожденный больным воображением (или лишь кажущийся больным) воображением, щедро приправленный аллюзиями и ремнисценциями, стиль «сюрреализм» представляет собой интереснейшее явление в искусстве в начале 20-го века.

Говоря об истории сюрреализма, нельзя не упомянуть о тех предтечах, которые лежали в основе живописи сюрреализма. Центральное место среди стилей, оказавших большое влияние на картины сюрреализма, был дадаизм.

Дадаизм (франц. dadaizme, от dada – "конёк", деревянная лошадка, в переносном смысле бессвязный детский лепет) – это модернистское литературно-художественное течение, существовавшее между 1916 и 1922 гг. Художники-дадаисты воспринимали 1-ю мировую войну как развязывание в человеке извечных звериных инстинктов, а разум, мораль и эстетику – как их лицемерную маскировку. Возникшее в Швейцарии, это течение уделяло большое внимание случаю и художники-дадаисты пытались использовать случайные процессы в качестве рабочих инструментов. Так, художники дадаисты бросали краски на холсты, предоставляя красящему материалу и силе броска самим образовывать иррациональные конфигурации, в то время как сам художник-творец, по мнению дадаистов, был всего лишь марионеткой в руках загадочных неведомых сил.

Именно в дадаизме живопись сюрреализма черпала идеи хаоса бессознательного и интерес к стихии хаоса. Однако в отличие от дадаизма, направленность творческой деятельности у представителей сюрреализма была иной – в отличие от чисто разрушительной идеи дадизма, сюрреалисты исповедовали принцип созидания через разрушение.

Кроме дадаизма, на стиль сюрреалистических картин большое влияние оказал символизм в лице таких художников, как Гюстав Моро и Одилон Редон. Мрачная эстетика и оригинальные находки картин Моро и Редона нашли свое отражение в произведениях живописи сюрреализма.

Однако основателем и идеологом сюрреализма был отнюдь не художник. Это течение зародилось вокруг Андре Бретона, его основного идеолога. Вот какое определение давал этому течению: ”Сюрреализм есть чистый психический автоматизм, имеющий целью выразить, или устно, или письменно, или другим способом, реальное функционирование мысли. Диктовка мысли вне всякого контроля со стороны разума, вне каких бы то ни было эстетических или нравственных соображений”. Со временем вокруг Андре Бретона стал формироваться круг единомышленников – это художники Жан Арп, Макс Эрнст, литераторы и поэты – Луи Арагон, Поль Элюар, Филипп Супо и многие другие. Они не просто пытались создать новый стиль в искусстве и литературе – в первую очередь они стремились переделать мир и изменить жизнь. Они были уверены в том, что бессознательное и внеразумное начало олицетворяет собой ту высшую истину, которая должна быть утверждена на земле.

Во многом эта позиция сюрреалистов была обусловлена растущей популярностью психоанализа Зигмунда Фрейда. Первейшей целью сюрреалистов было духовное возвышение и отделение духа от материального. Одними из важнейших ценностей являлись свобода а также иррациональность. Впрочем, не все художники-сюрреалисты разделяли интерес к учению Фрейда. Среди тех представителей сюрреализма, были и те, кто относились к психоанализу весьма скептически – например, Рене Магритт.

Датой начала истории сюрреализма можно считать 1917 год, когда слово «символизм» было впервые использовано поэтом и драматургом Гийом Аполлинер в 1917 году в его манифесте сюрреализма ”Новый дух”, написанном к скандально нашумевшему балету ”Парад”. Сюрреалистическими, то есть изображающими больше чем действительность, Аполлинер назвал свои стихи и пьесу, в которых были зафиксированы бессвязные ощущения человека.

Свои собрания художники-сюрреалисты называли термином ”sommeils”, что в переводе означает ”сны наяву”. Во время этих встреч представители сюрреализма занимались весьма странными вещами – большую часть времени они играли. У этих игр была цель – таким образом художники-сюрреалисты пытались поймать случайные и бессознательные смысловые сочетания. Для этого они играли в нечто, отдаленно напоминающее буриме – по очереди составляли фразы, ничего не зная о частях, написанных другими участниками игры. С помощью этого неоднозначного подхода представителям сюрреализма удавалось отключать сознание и логические связи и в таких странных условиях из тщательно скрытой бездны обычного мышления вызывались глубинные подсознательные хаотические силы и образы.

Свое видение сюрреализма Андре Бретон изложил в изданном в 1924 году ”манифесте сюрреализма”. Эта работа оказала большое влияние на историю сюрреализма, систематизировав и обобщив взгляды сюрреалистов. Впрочем, для такого сложного и неоднозначного течения, как сюрреализм, одного манифеста оказалось мало, и поэтому в 1929 году Андре Бретон опубликовал ”Второй манифест сюрреализма”.

Говоря о живописи сюрреализма и художниках, работавших в этом стиле, нельзя не вспомнить про картины Сальвадора Дали. Сальвадор Дали примкнул к сюрреалистам только в 1929 году. Любопытно, что первый контакт Сальвадора Дали с сюрреализмом произошел не в качестве художника, а в качестве автора сценария и актера в сюрреалистическом фильме «Андалузские псы». Эта сюрреалистическая картина представляет собой последовательность снятых на видео сюрреалистических образов, которые на протяжении всего фильма удивляют и шокируют зрителя, так и не складываясь в законченный сюжет.

Странная и необычная манера живописи Дали во многом была обусловлена интересами художника. Образы для сюрреалистических картин Дали были навеяны работами Фрейда и Ницше. Интерес художника к философии и психоанализу многократно преломлялся и пройдя творческое переосмысление, воплощался в живописи Сальвадора Дали. Сюрреализм Дали – это постоянный эпатаж и вызов обществу. Причем это выражалось не только в картинах Сальвадора Дали– художник и в жизни сделал немало шокирующих публику поступков: на одной из своих картин он написал ”Я ненавижу свою мать” (несмотря на то, что на самом деле он ее искренне любил); на свою лекцию в Сорбонне, посвященную ”Кружевнице” Вермеера, он приехал на белом Роллс-Ройсе, набитом тысячей кочанов цветной капусты; а другим шокоирующим поступком стала стрельба по гравировальному камню из аркебузы на Монмартре, – таким образом Дали пытался создать иллюстрации к ”Дону Кихоту”.

В 1936 году в истории сюрреализма произошло одно знаменательное событие – в Испании к власти приходит диктатор Франко, против которого открыто выступает Дали. Из-за этого Дали ссорится со стоящими на левых позициях сюрреалистами, и именно тогда Дали произносит свою знаменитую фразу: ”Сюрреализм – это я”.

Среди картин сюрреализма особое место занимает «Постоянство памяти» Сальвадора Дали. Эта небольшая (всего 24 Ч 15 см) картина стала самым известным сюрреалистическим полотном.

Размягченные висящие и стекающие часы – очень точный образ, который лучше других, более изощренных искажений подрывающий веру в естественный закономерный порядок вещей. Сам Дали, полностью в соответствие с сюрреалистическим взглядами, объяснял сюжет размышлением о природе сыра камамбер. Кстати, знаменитое «Постоянство памяти» было написано всего за 2 часа – ведь к тому моменут, когда Сальвадор Дали задумался о природе камамбера, у него уже был написан пейзаж с Порт Лигат. Впечатляющая сила «Постоянства памяти» настолько велика, что ее даже неоднократно использовали в рекламе!

Сюрреализм оказал громадное влияние не только на живопись, но и на культуру в целом. Следы этого течения можно найти в творчестве режиссеров Луиса Бунюэля, Жана Кокто, Яна Шванкмайера и Дэвида Линча. Эстетика сюрреализма трансформировалась в такие современные течения, как фантастический реализм, виженари арт и мок-сюрреализм.


Источник

С Ю Р Р Е А Л И З М (статья)


Художники:

Сальвадор Дали
Рене Магритт
Макс Эрнст


Сообщение отредактировал Фрина - 25.02.2011 - 18:04


--------------------
Тот человек, которого ты любишь во мне, конечно, лучше меня: я не такой. Но ты люби, и я постараюсь быть лучше себя. Пришвин М.М

FREEna Art ( Мой блог - Blogger | Google Groups) ; Моя страница | Facebook
Вернуться в начало страницы
 
+Ответить с цитированием данного сообщения
Фрина
сообщение 28.02.2011 - 16:08
Сообщение #21


Горожанин
****

Меткий стрелокЗа вклад в развитие ArtTower.ru2 местоЗа вклад в развитие ArtTower.ruМеткий стрелок
Группа: Советники
Сообщений: 1186
Регистрация: 24.06.2010
Из: София, Болгария
Пользователь №: 16351
Галерея


Симпатии:  116  


Прикрепленное изображение Примитивизм - стиль живописи, зародившийся в XIX веке, вмещавший в себя обдуманное упрощение картины, делающее её формы примитивными, как творчество ребенка или рисунки первобытных времен.


Кристаллизовать, очистить эмоцию можно и путем упрощения, своеобразной идеализации собственно предметов. Уже рядом с импрессионистами выставлял свои примитивистские полотна таможенник Анри Руссо. Наивный, детский взгляд на вещи помогает прояснить исходный замысел, убрать усложняющие, отвлекающие детали. Исконно свойственный народному искусству искренний порыв получает художественную значимость и статус современного творческого метода. Нужно сказать, что примитивизм позволил соединить новые художественные течения с народной традицией (буйство чистого цвета, орна-ментальность) и с дорогим сердцу любого человека детским рисунком (картины П. Клее и некоторых немецких экспрессионистов). Правда, приближение примитива к массам во многом иллюзорно: даже народное искусство сегодня оказывается двухслойным - профессионал видит его произведение совсем иначе. Фактически, примитив (особенно сближающийся с детским рисунком) - это стилистическая маскировка экспрессионизма. Например, творения гениального австрийского экспрессиониста Оскара Кокотки только специалистам напоминают народные картинки. Ближе к символизму многозначительно упрощенные образы мещан у М.З. Шагала. Возвышенный строй его живописи контрастирует с как бы иллюзорной реальностью провинциального го-Родка именно из-за схематизации изображения.

Подражает рисункам на заборах (с надписями) и лубкам в своей иронической солдатской серии М.Ф. Ларионов. Грустные размышления об идеалах женской красоты навевает его картина "Венера", будто пальцем нарисованная на крашеной панели (была событием на грандиозной выставке "Москва—Париж" в 1981 г.). Если Ларионову примитивизм позволяет реализовать любовно-насмешливое отношение к бессмысленности и тщете интеллектуальных потуг человечества, то Наталья Гончарова, подобно Гогену, находит отдохновение в грубоватой монументальности крестьянских фигур. Поразительно, что, несмотря на искусственную статичность ее образов, картины полны мощного вечного движения. Собственно, ее примитивизм является как бы вариантом экспрессионизма.

Примитивизм служит и естественным способом самовыражения художников-самоучек. Один из таких гениев был обнаружен художниками в Тбилиси 1910-х гг.: Нико Пиросманишвили. Одиночество и растерянность художника-самородка в сутолоке городского мещанства оборачивается на его полотнах философскими раздумьями о месте человека (и вообще живого существа) в мире, его пиры и застолья говорят о радостной мгновенности земного существования. Вывески, написанные на черной клеенке, будто с грустью демонстрируют иронично-упрощенные предметы вожделений человеческих.

Подлинный расцвет русского примитивизма был связан с деятельностью в 1960—1980 гг. Московского заочного народного университета искусств (ЗНУИ), художники которого выявляли народные таланты, помогали им в творчестве, организовывали выставки. Жизненная позиция художников русской глубинки, их картины неоднократно попадали в сферу внимания кинематографистов. Так, картины Ивана Егоровича Селиванова, печника из Кузбасса (см. 14), стали основой художественного фильма "Серафим Полубес и другие жители Земли" (режиссер В. Прохоров, Мосфильм, 1964 г.).


Источник: http://www.countries.ru/library/art/cultprim.htm


Наиболее известные художники-примитивисты:

Пиросмани, Нико (Пиросманашвили)
Иван Генералич
Бабушка Мозес
Мария Примаченко
Екатерина Билокур
Генри Дарджер
Никифор Крыницкий
Павел Понарин
Мартин Рамирес
Бунлыа Сулилат
Анри Руссо
Василий Кисляков
Сергей Заграевский
Анна Силивончик

Сообщение отредактировал Фрина - 1.03.2011 - 15:07


--------------------
Тот человек, которого ты любишь во мне, конечно, лучше меня: я не такой. Но ты люби, и я постараюсь быть лучше себя. Пришвин М.М

FREEna Art ( Мой блог - Blogger | Google Groups) ; Моя страница | Facebook
Вернуться в начало страницы
 
+Ответить с цитированием данного сообщения
Фрина
сообщение 28.02.2011 - 16:38
Сообщение #22


Горожанин
****

Меткий стрелокЗа вклад в развитие ArtTower.ru2 местоЗа вклад в развитие ArtTower.ruМеткий стрелок
Группа: Советники
Сообщений: 1186
Регистрация: 24.06.2010
Из: София, Болгария
Пользователь №: 16351
Галерея


Симпатии:  116  


Прикрепленное изображение Ампир


Ампир (франц. empire — империя от лат. imperium— командование, власть) — художественный стиль, созданный во Франции в начале XIX в., в эпоху империи Наполеона Бонапарта. Хронологические рамки оригинального французского "Стиля Империи" ограничены очень небольшим отрезком времени: от конца правления Директории (1799) или года коронации Наполеона (1804) до реставрации династии Бурбонов (1815). Основные элементы Ампира, почерпнутые из античного искусства, уже содержались в классицизме Людовика XVI (Неоклассицизм) и были кристаллизованы в "стиле Директории". Однако Ампир коренным образом отличается от Классицизма. Наполеон стремился к блеску и ореолу славы римских императоров. Поэтому, художникам французской империи было строго приказано брать за основу формы искусства Древнего Рима.
Ампир — стиль жесткий и холодный. П. Верле определил его как "затвердевший стиль Людовика XVI". Декоративные мотивы стиля Ампир состоят в основном из элементов древнеримского военного снаряжения: легионерских знаков с орлами, связок копий, щитов, пучков стрел, дикторских топоров. Наряду с римскими можно заметить и мотивы египетского искусства. Это объясняется тем, что еще в эпоху поздней римской империи вместе с древними культами Исиды и Гора элементы орнаментики и скульптура Древнего Египта проникали в Рим. После Египетского похода Наполеона (1798-1799) в искусстве французского Ампира египетские мотивы получили еще более широкое распространение.
Существуют и иные отличия Ампира от Классицизма. Если в Классицизме объемная форма и декор связаны пластично и не имеют четких границ, то в Ампире композиция строится как правило на сильном контрасте чистого поля поверхности стены, мебели, сосуда и узких орнаментальных поясов в строго отведенных местах, подчеркивающих конструктивные членения формы. Для Классицизма характерны мягкие, приглушенные цвета, для Ампира яркие — красный, синий, белый с золотом.
Примечательно, что ведущая роль в формировании нового стиля принадлежала не архитектору, а живописцу Ж.Д. Дмиду. Еще накануне революции этот художник в своих картинах прославлял героические эпизоды из истории Древнего Рима: "Клятва Горациев" (1784), "Врут" (1789). Слава художника превратила его в придворного живописца, и он прославлял военные подвиги Наполеона так же, как до того — великих римлян.
Характерна еще одна особенность Ампира. Присущая ему регламентированность почти полностью исключила возникновение местных национальных школ. Ампир по своей сути космополитичен. Примечательно, что ни одна из побежденных Наполеоном стран по существу не приняла этого стиля и только единственная страна-победительница Россия добровольно экспортировала "стиль империи".
В Европе, таким образом, было две разновидности Ампира: французский и русский. "Русский ампир" был несколько мягче французского. Он также делился на две ветви: столичную и провинциальную. Олицетворением столичного, "петербургского ампира" был К. Росси, он и смягчил своим итальянско-русским вкусом жесткость наполеоновского стиля. Провинциальный "московский ампир" и стиль подмосковных дворянских усадеб отличался еще большим своеобразием. Поэтому термины "русский ампир" или "московский ампир" можно принять только иносказательно. В Англии стиль Ампир также не получил широкого распространения. "Английским ампиром" иногда условно называют "стиль Георга IV" (1820-1830), наступивший после английского "стиля регентства. Таким образом, терминологическая строгость обязывает назвать Ампиром только художественный стиль французского искусства начала XIX века.
Для архитектуры ампира характерны монументальность, геометрическая правильность объемов и целостность (триумфальные арки, колонны, дворцы). Парадные дворцовые интерьеры богато украшались живописными панно, навеянными помпеянскими росписями, рельефами, напоминающими египетских сфинксов, вазами, мебелью и бронзой античного типа.


Источник
Ампир (статья)


--------------------
Тот человек, которого ты любишь во мне, конечно, лучше меня: я не такой. Но ты люби, и я постараюсь быть лучше себя. Пришвин М.М

FREEna Art ( Мой блог - Blogger | Google Groups) ; Моя страница | Facebook
Вернуться в начало страницы
 
+Ответить с цитированием данного сообщения
Фрина
сообщение 28.02.2011 - 17:15
Сообщение #23


Горожанин
****

Меткий стрелокЗа вклад в развитие ArtTower.ru2 местоЗа вклад в развитие ArtTower.ruМеткий стрелок
Группа: Советники
Сообщений: 1186
Регистрация: 24.06.2010
Из: София, Болгария
Пользователь №: 16351
Галерея


Симпатии:  116  


Прикрепленное изображение Гиперреализм


Гиперреализм (hyperrealism — англ.), или фотореализм (photorealism — англ.), направление в изобразительном искусстве последней трети 20-го века, сочетающее предельную натуральность образов с эффектами их драматического отчуждения. Гиперреализм — художественное течение в живописи и скульптуре, основанное на фотографическом воспроизведении (копировании) действительности. В 1973 Иса Брахот предложил термин "гиперреализм" как мягкий французский синоним слишком жесткого слова "фотореализм".
И в своей практике, и в эстетических ориентациях на натурализм и прагматизм гиперреализм близок поп-арту. Их прежде всего объединяет возврат к сложной фигуративности рисунка и композиции.
Магистральным для гиперреализма является точное, бесстрастное, внеэмоциональное воспроизведение действительности, имитирующее специфику фотографии: принцип автоматизма визуальной фиксации, документализм. Гиперреализм акцентирует механический, “технологичный” характер изображения, добиваясь впечатления гладкописи при помощи лессировки, аэрографии, эмульсионных покрытий; цвета, объемы, фактурность упрощаются. И хотя излюбленная проблематика гиперреализма — реалии повседневной жизни, городская среда, реклама, макрофотографический портрет “человека с улицы”, создается впечатление статичной, холодной, отстраненной, отчужденной от зрителя сверхреальности. Вместе с тем, наряду с тенденциями “масс-медиатизации” искусства, в гиперреализме присутствует и поисковый, экспериментальный пласт, связанный с усвоением наиболее передовых технологий и приемов фотографии и киноискусства: крупный план, детализация, оптические эффекты, монтаж, полиэкран, авторская раскадровка, съемка с высокой точки и т.д. При этом особое внимание обращалось на блестящие, отражающие свет поверхности: стекло, пластик, полировку автомобилей и др. Игра отражений на таких поверхностях создает впечатление взаимопроникновения пространств. Целью гиперреалистов было изобразить мир не просто достоверно, а сверхпохоже, сверхреально. Для этого они использовали механические способы копирования фотографий и увеличения их до размеров большого полотна (диапроекцию и масштабную сетку). Краску, как правило, распыляли аэрографом, чтобы сохранить все особенности фотоизображения, исключить проявление индивидуального почерка художника.
Гиперреализм возник в США в конце 60-х годов и стал заметным событием в мировом изобразительном искусстве. Творчество его адептов в области живописи посвящено достаточно определенной тематике: усеченные рекламные щиты (Р. Коттингэм), брошенные автомобили (Д. Солт), витрины с отражающейся в них городской жизнью (Р. Эст, Р. Гоингз), конные бега (Р. МакЛиэн).
Гиперреализм выступает антитезой концептуализму, не только порвавшему с репрезентацией, но и поставившему под сомнение сам принцип материальной реализации художественного концепта. Художественный опыт гиперреализма явился предтечей неомодернизма в живописи и скульптуре. Ряд его приемов стал органической частью постмодернистского художественного языка. Так, “навязчивый реализм” (М. Леонард, Б. Джонсон, С. Холи) сочетает традиционную натуралистическую технику с современными кино-, фото-, видеоприемами воздействия на зрителя, эффектами виртуальной реальности: гипнотически жизнеподобные детали в сочетании с нулевым градусом интерпретации создают атмосферу солипсистской замкнутости личности на фоне самодостаточной вещности мира.
Почти тридцать лет спустя, после появления этого направления в живописи и скульптуре, термин "гиперреализм" стали использовать для определения творчества новой группы художников. Современный гиперреализм основывается на эстетических принципах фотореализма, но в отличие от последнего, не стремится буквально копировать повседневную реальность. Объекты и сцены в гиперреалистичной живописи детализированы, чтобы создать яркую иллюзию реальности.


Художники, работающие в жанре и стилистике гиперреализма:

Бернардо Торренс (Bernardo Torrens)
Мэл Рамос (Mel Ramos)
Скотт Прайор (Scott Prior)
Уилл Коттон (Will Cotton)
Жак Боден (Jacques Bodin)
Педро Кампус (Pedro Campos)
Чак Клоуз (Chuck Close)
Жиль Эно (Gilles Esnault)
Рон Мьюек (Ron Mueck)
Роберто Бернарди (Roberto Bernardi)
Чиара Албертони (Chiara Albertoni)
Рафаэлла Спенс (Raphaella Spence) и др.

Наиболее известный из скульпторов-гиперреалистов — Джон де Андреа, чьи выполненные в натуральную величину скульптуры исполнены с эротико-иронической холодностью. С ними согласуется физиологизм персонажей-прототипов скульптур Дуэйна Хэнсона, а также гиперреалистическая сексуальная символика мощных фигур атлетического реализма Роберта Грэхема.
Художники и скульпторы современного искусства

Источник: http://smallbay.ru/hyperrealism.html



--------------------
Тот человек, которого ты любишь во мне, конечно, лучше меня: я не такой. Но ты люби, и я постараюсь быть лучше себя. Пришвин М.М

FREEna Art ( Мой блог - Blogger | Google Groups) ; Моя страница | Facebook
Вернуться в начало страницы
 
+Ответить с цитированием данного сообщения
Фрина
сообщение 8.03.2011 - 15:38
Сообщение #24


Горожанин
****

Меткий стрелокЗа вклад в развитие ArtTower.ru2 местоЗа вклад в развитие ArtTower.ruМеткий стрелок
Группа: Советники
Сообщений: 1186
Регистрация: 24.06.2010
Из: София, Болгария
Пользователь №: 16351
Галерея


Симпатии:  116  


Прикрепленное изображение Фантастический реализм


Фантасти́ческий реали́зм — термин, применяемый к различным явлениям в искусстве и литературе.

Обычно создание термина приписывают Достоевскому; однако исследователь творчества писателя В. Н. Захаров показал, что это заблуждение. Вероятно, первым, кто употребил выражение «фантастический реализм», был Фридрих Ницше (1869, по отношению к Шекспиру). В 1920-е годы это выражение использует в лекциях Евгений Вахтангов; позже оно утвердилось в отечественном театроведении как определение творческого метода Вахтангова.

С 1948 существует «Венская школа фантастического реализма» в живописи, носившая ярко выраженный мистико-религиозный характер, обращающаяся к вневременным и вечным темам, исследованиям потаенных уголков человеческой души и ориентированная на традиции немецкого Возрождения (представители: Эрнст Фукс, Рудольф Хауснер).

Основание «Венской школы фантастического реализма»Вместе с Ариком Брауэром, Вольфгангом Хуттером, Рудольфом Хауснером и Антоном Лемденом, Эрнст Фукс основывает школу, или даже скорее скорее создаёт новый стиль «Фантастический реализм». Её бурное развитие приходится на начало 60-х годов 20-го столетия. Пятеро её ярчайших представителей Фукс, Брауер, Лемден, Хауснер и Хуттер стали основной группой всего будущего движения, вскоре появились Кларвейн, Эшер, Джофра, привнесшие из своих национальных школ каждый свою манеру и методику работы. Паетз, Хелнвейн, Хекельман и Валь, Одд Нердрум так же составляли часть общего движения. В Швейцарии работал Гигер (Х.Р. Гигер). Эрнст Фукс преподавал в замке Рейченау, где появились такие яркие и известные сегодня художники как Хана Кай, Ольга Шпигель, Филипп Рубинов-Якобсон, Вольфганг Видмосер, Михаэль Фукс, Роберто Веноза, Дитер Шветрбергер, известный как Де Эс. В США проходили выставки с участием Айзека Абрамса, Инго Свана и Алекса Грея. В конце шестидесятых движение Фантастического Реализма стало интернациональным и составило как бы некий параллельный художественный мир, хотя многие художники меняли свой стиль, уходя в другие общества, другие же появлялись, приходя из совершенно других движений. Появились галереи Джеймса Кована «Морфеус» в Беверли Хиллс, представившего Бексинского (Бексиньский, Здзислав), столь впечатлившего молодое поколение, Генри Боксера в Лондоне, Карла Карлхубера в Вене и другие. Фукс участвует в первой выставке Венского Арт-клуба в Турине (Италия). Творчество представителей «школы», впитавшее национальные традиции готики, модерна, экспрессионизма, оперирующее образами мифа и подсознания, первоначально не находило признания у австрийской публики, увлеченной в тот момент абстрактным искусством.

[править] Фантастический реализм и Виженари артСегодня, слившись с Психоделикой Нью-Эйджевских изысканий 60-х (см. Психоделия, Нью-Эйдж), а также с различными традициоными религиозно-мистическими практиками, Фантастический реализм уже имеет собственное продолжение в стиле Виженари арт.

Виженари арт (англ. Visionary art) — Художественный стиль, имеющий в своей основе спонтанное изображение увиденного в изменённом состоянии сознания (Изменённое состояние сознания, ИСС), религиозного, медитативного созерцания, транса, а также «флешбэков» («англ. flash — вспышка, back— назад, обратно) — в буквальном смысле — кинематографический термин, обозначающий ретроспективную сцену, стоп-кадр.»), возникающих после так называемых «Трипов» (психотропных путешествий).

Виженари арт распространился по всему миру и с появлением Интернета, получил возможность создать по-настоящему международные организации. На сайтах общества, созданного Бригид Марлин, Art of Imagination и Джона Беинарта, beinART collective, а также на тематическом сайте Данеэля Миранте Lila, представлено внушительное число, измеряющегося сотнями художников буквально со всего мира. Общество Art of Imagination проводит ежегодные выставки в Европе и США. Парижанин Лоренс Каруана, ведущий он-лайновый журнал Виженари Ревью, написал Манифест. Кит Вигдор на своём сайте Surrealism Now обобщил всё пост Сюрреалистическое движение.

Нынешнее поколение ярко представлено деятельностью таких художников как Тристан Шен, Эндрю Гонзалес, Олег Королёв, Сергей Апарин, Петер Грик, Лаурие Липтон, Яцек Йерка, Маура Холден, Лукас Кандл, Герман Сморенбург, Стивен Кенни и многие другие.

Художники Фантастического реализма и Виженари арт

Иван Славинский
Борис Индриков
Майкл Паркес


Эрнст Фукс
Х.Р. Гигер
Майкл Уэлан
Роберто Веноза
Одд Нердрум
Олег Королёв
Дэ Эс
Питер Грич (Eng) | Питер Грич (Rus)
Яцек Йерка
Эндрю Гонзалес
Алекс Грей
Бригид Марлин
Лоренс Каруана
и др.

Источник : Википедия

Сообщение отредактировал Фрина - 10.03.2011 - 16:29


--------------------
Тот человек, которого ты любишь во мне, конечно, лучше меня: я не такой. Но ты люби, и я постараюсь быть лучше себя. Пришвин М.М

FREEna Art ( Мой блог - Blogger | Google Groups) ; Моя страница | Facebook
Вернуться в начало страницы
 
+Ответить с цитированием данного сообщения
Фрина
сообщение 14.03.2011 - 18:17
Сообщение #25


Горожанин
****

Меткий стрелокЗа вклад в развитие ArtTower.ru2 местоЗа вклад в развитие ArtTower.ruМеткий стрелок
Группа: Советники
Сообщений: 1186
Регистрация: 24.06.2010
Из: София, Болгария
Пользователь №: 16351
Галерея


Симпатии:  116  


Сентиментализм

Сентиментализм - (от лат. "sentiment" - чувство) - направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в "цивилизации", основанной на идеалах "разума" (идеологии Просвещения). С. провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни "маленького человека". Идеологом С. считается Ж.Ж.Руссо. Одной из характерных особенностей русского портретного искусства этого периода была гражданственность. Герои портрета уже не живут в своем замкнутом обособленном мире. Сознание быть необходимым и по-лезным отечеству, вызванное патриотическим подъемом в эпоху отечественной войны 1812 года, расцвет гуманистической мысли, в основе которой лежало уваже-ние к достоинству отдельного человека, ожидание близких социальных перемен пе-рестраивают мироощущение передового человека. К этому направлению примыкает представленный в зале портрет Н.А. Зубовой, внучки А.В. Суворова, скопированный неизвестным мастером с портрета И.-Б. Лампи Старшего, изображающий молодую женщину в парке, вдали от условностей светской жизни. Она задумчиво с полуулыбкой смотрит на зрителя, в ней все - простота и естественность. Сентиментализм противопоставлен прямолинейному и излишне логическому рассуждению о природе человеческого чувства, эмоциональное восприятие, непосредственно и более надежно ведущее к постижению истины. Сентиментализм рас-ширил представление о душевной жизни человека, приблизившись к пониманию ее противоречий, самого процесса человеческого переживания. На рубеже двух веков развивалось творчество Н.И. Аргунова, одаренного крепо-стного графов Шереметьевых. Одна из существенных тенденций в творчестве Аргу-нова, которая не прерывалась на протяжении XIX веков - стремление к конкретности выражения, непритязательности подхода к человеку. В зале представлен портрет Н.П. Шереметьева. Он был подарен самим графом Ростовскому Спасо-Яковлевскому монастырю, где на его средства возводился собор. Портрету свойст-венна реалистическая простота выражения, свободная от украшательства и идеали-зации. Художник избегает писать кисти рук, сосредотачивает внимание на лице мо-дели. Колорит портрета построен на выразительности отдельных пятен чистого цве-та, красочных плоскостей. В портретном искусстве этого времени складывается тип скромного камерного портрета, полностью освобождающегося от каких либо черт внешней обстановки, демонстративного поведения моделей (портрет П.А. Бабина, П.И. Мордвинова). Они не претендуют на глубокий психологизм. Мы имеем дело лишь с достаточно ясной фиксацией моделей, спокойного душевного состояния. Отдельную группу составляют представленные в зале детские портреты. В них подкупает простота и ясность трактовки образа. Если в XVIII веке чаще всего дети изображались с атрибутами мифологических героев в виде амуров, Аполлонов и Диан, то в XIX веке художники стремятся передать непосредственный образ ребен-ка, склад детского характера. Портреты представленные в зале, за редкими исключениями происходят из дво-рянских усадеб. Они входили в усадебные портретные галереи, основой которых были фамильные портреты. Собрание носило интимный преимущественно мемори-альный характер и отражало личные привязанности моделей и их отношение к пред-кам и современникам, память о которых старались сохранить для потомков. Изучение портретных галерей углубляет представление об эпохе, позволяет бо-лее рельефно ощутить ту конкретную обстановку, в которой жили произведения прошлого, и понять ряд особенностей их художественного языка. Портреты дают бо-гатейший материал для изучения истории отечественной культуры. Особенно сильное влияние сентиментализма испытал В.Л. Боровиковский, изображавший многие свои модели на фоне английского парка, с мягким, чувственно-ранимым выражением на лице. Боровиковский был связан с английской традицией через кружок Н.А. Львова - А.Н. Оленина. Он хорошо знал типологию английского портрета, в частности, по работам модной в 1780 -е годы немецкой художницы А.Кауфман, получившей образование в Англии. Некоторое влияние на русских живописцев оказали и английские пейзажисты, например, такие мастера идеализированного классицистического пейзажа, как Я.Ф. Хаккерт, Р.Уилсон, Т.Джонс, Дж.Форрестер, С.Дэлон. В пейзажах Ф.М. Матвеева прослеживается влияние "Водопадов" и "Видов Тиволи" Я. Мора. В России также была популярна графика Дж. Флаксмана (иллюстрации к Гормеру, Эсхилу, Данте), оказавшая влияние на рисунки и гравюры Ф.Толстого, и мелкая пластика Веджвуда - в 1773 году императрица сделала британской мануфактуре фантастический по объему заказ на "Сервиз с зеленой лягушкой" из 952 предметов с видами Великобритании, хранящийся теперь в Эрмитаже. В английском вкусе были исполнены миниатюры Г.И. Скородумова и А.Х. Ритта; на фарфоре воспроизводились исполненные Дж. Аткинсоном жанровые "Живописные зарисовки манер, обычаев и развлечений русских в ста раскрашенных рисунках" (1803-1804). Британских художников во второй половине XVIII века в России работает меньше, чем французских или итальянских. Среди них наибольшую известность приобрел Ричард Бромптон, придворный художник Георга III, работавший в Петербурге в 1780 - 1783 гг. Ему принадлежат портреты великих князей Александра и Константина Павловичей, и принца Георга Уэльского, ставшие образцами изображения наследников в юном возрасте. Неоконченное Бромптоном изображение Екатерины на фоне флота получило воплощение в портрете императрицы в храме Минервы Д.Г. Левицкого. Француз по происхождению П.Э. Фальконе был учеником Рейнолдса и поэтому представлял английскую школу живописи. Представленный в его произведениях традиционный английский аристократический пейзаж, восходящий к Ван Дейку английского периода, не получил широкого признания в России. Однако картины Ван Дейка из коллекции Эрмитажа, были часто копируемы, что способствовало распространению жанра костюмированного портрета. Мода на изображения в английском духе приобрела большее распространение после возвращения из Британии гравера Скородумова, назначенного "кабинета Ея императорского величества гравером" и избранного Академиком. Благодаря деятельности гравера Дж. Уокера в Петербурге распространялись гравированные копии картин Дж. Ромини, Дж. Рейнолдса, У. Хора. В записках, оставленных Дж. Уокером, много говорится о преимуществах английского портрета, а также описывается реакция на приобретенные Г.А. Потемкиным и Екатериной II картины Рейнолдса: "манера густо накладывать краску : казалась странной : на их (русских) вкус это было чересчур". Однако как теоретик Рейнолдс был принят в России; в 1790 на русский язык были переведены его "Речи", в которых, в частности, обосновывалось право портрета принадлежать к ряду "высших" родов живописи и вводилось понятие "портрет в историческом стиле".

Источник: http://rposter.ru/modules/shop/cat_299.html

Сообщение отредактировал Фрина - 14.03.2011 - 18:19


--------------------
Тот человек, которого ты любишь во мне, конечно, лучше меня: я не такой. Но ты люби, и я постараюсь быть лучше себя. Пришвин М.М

FREEna Art ( Мой блог - Blogger | Google Groups) ; Моя страница | Facebook
Вернуться в начало страницы
 
+Ответить с цитированием данного сообщения
Фрина
сообщение 29.03.2011 - 13:33
Сообщение #26


Горожанин
****

Меткий стрелокЗа вклад в развитие ArtTower.ru2 местоЗа вклад в развитие ArtTower.ruМеткий стрелок
Группа: Советники
Сообщений: 1186
Регистрация: 24.06.2010
Из: София, Болгария
Пользователь №: 16351
Галерея


Симпатии:  116  


Прикрепленное изображение Поп-а́рт (англ. pop-art, сокращение от popular art, этимологию также связывают с англ. рор — отрывистый удар, хлопок) — направление в изобразительном искусстве 1950—1960-х годов, возникшее как реакция на абстрактный экспрессионизм, использующие образы продуктов потребления.

Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст:

изменяются масштаб и материал;
обнажается приём или технический метод;
выявляются информационные помехи и др.


История

Термин «поп-арт» впервые появился в прессе в статье английского критика Лоуренса Эллоуэя (1926—1990). В 1966 году Эллоуэй открыто признавался: «Тогда я не вкладывал в это понятие тот смысл, который оно содержит сегодня. Я использовал это слово наравне с термином «поп-культура», чтобы охарактеризовать продукты средств массовой информации, а не произведения искусства, для которых были использованы элементы этой «народной культуры». В любом случае понятие вошло в употребление где-то между зимой 1954/55 годов и 1957 годом».

Первые «попартовские» работы создали три художника, учившиеся в лондонском Королевском художественном колледже — Питер Блек, Джо Тилсон и Ричард Смит. Но первой работой, получившей статус иконы поп-арта, был коллаж Ричарда Хамилтона «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (1956)

Поп-арт приходит на смену абстрактному экспрессионизму, ориентируясь на новую образность, создаваемую средствами массовой информации и рекламой.

Поп-арт породил следующие направления в искусстве: оп-арт, кинетическое искусство, ситуативное искусство (англ. situation art)

Критика

Поп-арт неоднократно подвергался критике со стороны деятелей искусств и художественных критиков. 13 сентября 1962 года Нью-Йоркский музей современного искусства организовал симпозиум по поп-арту. В ходе развернувшейся дискуссии влиятельный критик-консерватор Хилтон Крамер (англ.)русск. из газеты «The New York Times» высказал мнение, что по своей сути поп-арт «ничем не отличается от искусства рекламы». По словам Крамера, оба этих явления преследуют цель «примирить нас с миром предметов потребления, банальностей и вульгарности». Критик настаивал на необходимости решительного противодействия поп-арту.

Присутствовавший на симпозиуме поэт, критик и лауреат Пулитцеровской премии Стэнли Куниц (англ.)русск. также неодобрительно отозвался о поп-арте, упрекая представителей этого художественного направления в стремлении угодить господствующему социальному классу: по словам поэта, они выражают «дух конформизма и буржуазии». Кроме того, Куниц высказал мысль, что поп-артовские «знаки, слоганы и приёмы происходят прямо из цитадели буржуазного общества, из бастиона, где формируются образы и потребности масс».


Представители поп-арта

Энди Уорхол
Том Вессельман
Ричард Гамильтон
Ред Грумз
Аллан Д’Арканджело
Джим Дайн
Джаспер Джонс
Ален Джоунс
Роберт Индиана
Алекс Кац
Рой Лихтенштейн
Клас Олденбург
Питер Блейк
Мел Рамос
Роберт Раушенберг
Джеймс Розенквист
Эд Руша
Джордж Сегал
Уэйн Тибо
Питер Филлипс
Кейт Харинг
Дэвид Хокни
Марисоль Эскобар

Источник : Википедия

Сообщение отредактировал Фрина - 29.03.2011 - 16:05


--------------------
Тот человек, которого ты любишь во мне, конечно, лучше меня: я не такой. Но ты люби, и я постараюсь быть лучше себя. Пришвин М.М

FREEna Art ( Мой блог - Blogger | Google Groups) ; Моя страница | Facebook
Вернуться в начало страницы
 
+Ответить с цитированием данного сообщения

2 страниц V  < 1 2
Добавить ответ в эту темуОткрыть тему
1 чел. читают эту тему (гостей: 1, скрытых пользователей: 0)
Пользователей: 0

 



- Текстовая версия форума Сейчас: 20.10.2017 - 19:10